791.430723 Filmanalyse
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Die vorliegende Arbeit fokussiert sich auf die Liebe als finale Erkenntnis der Heldenreise in Disneyfilmen und untersucht die dramaturgischen Etappen, die die Protagonisten auf ihrer Suche nach Erkenntnis durchlaufen. Dies geschieht durch eine Analyse und Interpretation vierer Disneyfilme: Cinderella (1950), Arielle – Die kleine Meerjungfrau (1989), Die Schöne und das Biest (1991) und Rapunzel – Neu verföhnt (2010). Es soll herausgestellt werden, inwiefern die Liebe Einfluss auf die Handlungen der Charaktere nimmt und in welcher Form dieser durch Walt Disney Pictures dargestellt wird.
Diese Bachelorarbeit untersucht die weiblichen Hauptfiguren in den Filmen BREAKING THE WAVES, DANCER IN THE DARK, DOGVILLE und ANTICHRIST von Lars von Trier. In der Analyse werden die weiblichen Protagonistinnen auf ihre filmische Darstellung analysiert und interpretiert. Wie ist die Handlungs- und Erzählstruktur aufgebaut, wie werden die Figuren visuell und dramaturgisch dargestellt und welche indirekten Bedeutungen kennzeichnen sie? Zusammenfassend werden alle vier Figuren auf ihre Gemeinsamkeiten und markanten Unterschiede verglichen. Aus der Untersuchung geht hervor, ob Lars von Trier seine weiblichen Hauptfiguren filmübergreifend typisiert.
Der Filmregisseur Billy Wilder war bekannt dafür, durch seine Filme auf gesellschaftliche Missstände und moralisches Fehlverhalten aufmerksam zu machen. Die vorliegende Arbeit widmet sich der enthaltenen Kritik in seinen berühmtesten Filmen Manche mögen´s heiß und Das Appartement. Ein besonderer Fokus liegt dabei auf der Darstellung der Frauen.
Der 1982 in seiner Grundversion erschienene Film „Blade Runner“ des Regisseurs Ridley Scott, entwickelte sich in den Folgejahren, vor allem durch die Version „Blade Runner (The Final Cut)“ aus dem Jahre 2007, zu einem wegweisenden und vielfach diskutierten Kultfilm. Das verwendete, sehr düstere Szenenbild, die dazu verwendete Darstellung einer apokalyptischen Stadt Los Angeles und der realistische Blick in die Zukunft des Jahres 2019 beeinflusste, wie kaum ein anderer Science-Fiction-Film, nachfolgende Filme. Diese großartige Hommage an den Film Noir der 1940er Jahre, verfügt durch seine überraschende und viel-fältige Handlung über eine immense Tiefe. In seiner Metaebene stellt der Film religiöse, ethische und philosophische Fragen im Hinblick auf die Aspekte Sein und Bewusstsein, sowie das Streben der Replikanten nach Menschlichkeit zur Diskussion. 35 Jahre später erschien 2017 der offizielle Nachfolgefilm „Blade Runner 2049“ des Regisseurs Denis Villeneuve, mit dem Anspruch an die Erfolge des Ursprungsfilms anzuknüpfen und diese Themen zu vertiefen. Das Ziel dieser Forschung ist es zu untersuchen, ob und mit welchen Mitteln, in beiden Filmen, die Menschwerdung der Replikanten dargestellt wird und welche philosophischen Fragen aufgeworfen, beziehungsweise beantwortet werden.
Dazu wurde folgende Forschungsfrage formuliert:
Menschlicher als der Mensch? Der Replikant im Filmuniversum, "Blade Runner". Eine philo-sophische, wie filmische Analyse der Werke, "Blade Runner (The Final Cut)" und "Blade Runner 2049".
Um die Forschungsfrage zu beantworten, wurden zunächst die theoretischen Grundlagen durch die Betrachtung von Weltbildern und der Fertigung künstlicher Wesen von der Antike bis hin zur Gegenwart geschaffen. Anschließend wurden die Filme und deren Regisseure, sowie die Handlungen beschrieben, um im darauffolgenden Hauptteil die philosophischen Aussagen beider Filme herauszuarbeiten, zu vergleichen und zu bewerten.
Die Zusammenfassung dieser Ergebnisse führte zu dem Ergebnis, dass in beiden Filmen die Replikanten ein menschlicheres Verhalten zeigen, als die Menschen selbst.
Abschließend erfolgt als Ausblick eine kritische Betrachtung zum Umgang mit künstlicher Intelligenz in der Gegenwart sowie in der Zukunft.
Die Intention dieser Arbeit ist es, die Komik der amerikanischen Autorenfilmer Ethan Coen und Joel Coen (Coen-Brüder) unter Berücksichtigung ihres spezifischen Stils zu untersuchen. Im Fokus des Forschungsinteresses steht dabei die Frage, mit welchen filmischen Mitteln die Coen-Brüder in ihren Werken Komik erzeugen. Diese werden anhand zweier strukturfunktionaler Analysen der Filme „The Big Lebowski“ (1998) und „Burn After Reading“ (2008) herausgearbeitet. Die Arbeit zeigt, dass die Coen-Brüder ihre Komik mittels Charakterkomik, Situationskomik, durch intertextuelle Bezüge auf Filmgenres sowie über den Einsatz von Musik erzielen. Ihre Filme grenzen dabei an schwarzhumorige Polit- und Gesellschaftssatiren.
Im Rahmen dieser Bachelorarbeit soll zunächst der Wandel des Film Noir von seiner Entstehung bis heute herausgestellt werden. Ziel dabei ist es, einen Vergleich einer klassischen und einer modernen Femme fatale anzufertigen. Schwerpunkt der Arbeit ist eine Analyse von zwei Filmen, die sich beide dem Noir zuordnen lassen und eine starke Frauenrolle beinhalten. Zwischen den Filmen Double Indemnity (1944) und Basic Instinct (1992) liegt eine große Zeitspanne, weshalb sie sich gut eignen, um die Veränderung der Femme fatale durch das Noir-Genre hinweg darstellen zu können.
„(…) Provokation tut Not. Fragen stellen tut not in einer Zeit, in der von offizieller Seite ununterbrochen mit Antworten beschwichtigt wird und in welcher die Kluft zwischen den Fragestellungen und ihren Antworten inzwischen die Dimensionen eines alles verschlingenden Abgrunds erreicht hat. (…) Ich versuche, dass sich der Zuschauer provoziert und gezwungen fühlt, etwas gegen das, was ich ihm zeige, zu unternehmen. Ich liefere ihm keine Lösungen,Haneke sagt im selben Interview, dass er es als seine Aufgabe ansähe, die richtigen, oder wenigstens produktive Fragen mit solch einer Dringlichkeit zu stellen, dass sie beim Zuschauer etwas bewirken; ob Wut oder den Wunsch im großen Kompromissbetrug nicht weiter mitzumachen. 2 Er habe sich auch gefragt was die adäquaten Mittel seien, um diese Provokation hervorzurufen, diese produktive Unruhe beim Zuschauer auszulösen. Seiner Meinung nach käme man mit dem psychologischen Realismus des Mainstream Kinos nicht weit; jedem Problem werde die Spitze abgebrochen indem man dem Zuschauer die Möglichkeit gebe, das Geschehen auf den Charakter der Figuren im Film zurückzuführen und sich selbst rauszuhalten. Er versuche eine Form zu finden die den Zuschauer selbst mit seinen Ängsten und Aggressionen ins Zentrum der Geschichte stellt, ihn die Verantwortung tragen lässt. Diese Arbeit soll Einsicht darüber verschaffen, wie Haneke in seinem Film die Sehgewohnheiten des Zuschauers umstößt und kritisiert, und was dies im Bezug auf die Konsumkultur und ihrer Beziehung zum Film bedeutet.
Betrachtet man diese Arbeit als Zaubertrick, ist der Einfluss von Zauberkunst auf den Film das Geheimnis, dass es zu lüften gilt. Und bin ich der Zauberer, der seine goldene Regel bricht und um jeden Preis enthüllen will, wie groß dieser Einfluss ist, würde meine Arbeit wie ein guter Trick aus drei Phasen bestehen: Der Vorbereitung, dem Effekt und dem Finale. Die Einleitung und die geschichtliche Aufarbeitung wäre die erste Phase.
Der Effekt wäre der Haupteil der Arbeit, die Analysen. Und das große Finale wäre die Auswertung, und vielleicht sogar das Lüften des Geheimnisses. Was ist die Magie des bewegten Bildes? Und welchen Einfluss hat die Zauberkunst auf den Film?
Intention der Arbeit ist es, die nicht lineare Erzählstruktur anhand der Filme Pulp Fiction und Memento zu untersuchen. Im Fokus des Forschungsinteresses steht dabei die Frage, was eine Erzählstruktur ist und wie sich eine nicht lineare Erzählstruktur definiert.
Anhand der Analyse der beiden Filme wird die Intention für die Nutzung der nicht linearen Struktur herausgearbeitet. Die Arbeit zeigt, dass die nicht lineare filmische Narration die traditionellen Strukturen bricht und somit dem Zuschauer ein verändertes Seherlebnis bietet.
Gegenstand dieser Arbeit ist die Emanzipation afroamerikanischer Darsteller in Hollywood. Die Protagonisten der Filme „In the heat of the night" und „Moonlight" werden nach Jens Eders Methode der Uhr der Figur untersucht. Die Ergebnisse werden in Verbindung mit dem vorher definierten historischen Kontext gebracht, um mögliche Entwicklungen über die Jahre festzumachen
Der Nachtmahr“ (2015) und „E.T. – Der Außerirdische“ (1982) – Zwei Filme, die einerseits aus verschiedenen Zeitepochen der Filmgeschichte stammen und andererseits verschiedene Genre und Zielgruppen abdecken. Trotzdem verbindet diese beiden Filme ihre gemeinsame Thematik, nämlich die Beziehung eines jun-gen Menschen zu einem ihm unbekannten Wesen, in der sie Gefühle und Empfindungen miteinander teilen. In dieser Arbeit werden die beiden Filme miteinander verglichen und sowohl die Unterschiede also auch die Gemeinsamkeiten hin-sichtlich der Produktion und der erzählerischen Herangehensweisen im Film dargestellt.
Wenige Kunstwerke können ein Publikum emotional so stark ergreifen wie der Film.Bei keiner Präsentation kann Spannung, Trauer, Angst oder Freude so extrem erlebt werden, wie im Kino. Ein Film kann mit synästhetischen Mitteln Emotionen erzeugen und jeder Film trägt dabei eine eigene Atmosphäre, die sich auf den Zuschauer auswirkt. Der Frage, was genau eine Atmosphäre ist und ihrer Verbindung zum Film, wird in dieser Arbeit nachgegangen. Lars von Triers Amerika-Trilogie besteht nur aus zwei Filmen: Dogville und Manderlay. Deren Ästhetik zeichnet sich durch die Verwendung einer Theaterkulisse aus. Anhand dieser beiden Filme wird in der vorliegenden Arbeit die Evokation von Atmosphären analysiert. Es stellen sich die Fragen: Welche filmgestalterischen Mittel werden genutzt? Wie wirkt sich das Atmosphärische auf die Dramaturgie und die Authentizität der Filme aus
In dieser Arbeit über das Potenzial des unzuverlässigen Erzählens soll das unzuverläs-sige Erzählen zunächst definiert werden. Zudem soll ein Querschnitt durch die Theorie rund um die vorhandene Literatur zu diesem Thema erfolgen. Daraus sollen schließlich passende Analysemittel gewählt und die Filmbeispiele „Memento“ und „Fight Club“ ana-lysiert, sowie letztlich miteinander verglichen werden
Die vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit den Frauendarstellungen in den Filmen der Wachowski-Geschwister. Dazu werden, neben deren biografischem Hintergrund, die verschiedenen Ansätze der feministischen Filmtheorie in Bezug auf Psychoanalyse, Gender Studies und Genre-Gender-Zusammenhang erläutert, sowie zeitgenössische Frauenbilder definiert. Die Frauenfiguren werden durch eine Film- und Figurenanalyse der ausgewählten Filme Bound (1996) und Cloud Atlas (2012) untersucht, mit den Schwerpunkten auf Präsenz, Aktivität, Sexualität, Interaktionen und Gewaltbezug
Die vorliegende Bachelorarbeit beschäftigt sich mit der Frage, ob die beiden Filme DIE SIEBEN SAMURAI und RASHŌMON des japanischen Regisseurs Akira Kurosawa im Bezug auf Figurendarstellung und Plot erkennbar westlich beeinflusst sind. Mithilfe einer intertextuellen Filmanalyse soll dies zufriedenstellend beantwortet werden. Direkt zu Beginn dieser Arbeit wird der Kontext der japanischen Kultur dargestellt. Im theoretischen Teil der Arbeit soll dann zunächst der westliche Einfluss auf die Ära des klassischen Hollywood begrenzt werden. Diese wird dann auf Figurendarstellung und Plot-Konstruktion untersucht. In der darauf folgenden Filmanalyse stehen im Vordergrund eine Figurenanalyse als auch eine Untersuchung narrativer Modelle und Erzählstrukturen. Abschließend soll in der Schlussbetrachtung eine Antwort auf die eingangs gestellte Frage gefunden werden.
Die meisten Kinder wachsen in Familie auf. Daher ist Familie ein Thema, das Kinder den Großteil ihrer Zeit über betrifft und beschäftigt. Was eine Familie genau ist und wie sie aussieht, darüber gibt es verschiedene Ansichten. Auch Medien vermitteln früh eine bestimmte Sicht auf familiäre Themen und Probleme an junge Rezipienten. Diese Arbeit beschreibt die Darstellung verschiedener Familienkonstellationen in ausgewählten deutschen Kinderfilmen. Die Filme werden in Bezug auf die Darstellung unterschiedlicher Familienformen und der mit ihnen verbundenen Semiotik analysiert und mit Hilfe von Fachliteratur aus Soziologie, Medienbildung und -pädagogik verglichen. Ziel ist es zu analysieren, auf welche Art und Weise deutsche Kinderfilme verschiedene Familienkonstellationen mit ihren Chancen und Problemen widerspiegeln. Auch wurde ein Interview mit der Filmpädagogin Regine Wenger-Jabin hinzugezogen, um zu untersuchen, wie realitätsnah die Darstellung von Familien in Kinderfilmen ist.
Diese Arbeit soll eine Entwicklung des Psychopathen in den letzten drei Jahrzehnten ausmachen. Als Fallbeispiel werden Hannibal Lecter und andere Psychopathen, die in den Verfilmungen Manhunter, Das Schweigen der Lämmer, Hannibal, Red Dragon, Hannibal Rising, und der Serie Hannibal vorkommen, herangezogen. Dazu werden nach einer wissenschaftlichen Einordnung zum Thema Psychopathie die genannten Filme analysiert. Angefangen mit einer Charakterisierung der in ihnen vorkommenden Psychopathen, werden sie anschließend bezüglich ihres Identifikationspotentials und ihrer geänderten Darstellung näher untersucht. Am Ende stehen ein Fazit, das die Entwicklung des Psychopathen knapp zusammenfasst, sowie ein kurzer Ausblick, wie der Psychopath von morgen aussehen könnte
Die vorliegende Arbeit analysiert Wim Wenders Umdeutung klassischer Hollywoodgenres am Beispiel seines 1984 erschienenen Films Paris, Texas. Dieser Film vereint neben der typischen Handschrift des Autorenfilmers Wenders auch noch Elemente des Road Movie, des Western und des Melodrams. Diese Arbeit soll die Verzahnung der Handschrift Wenders mit Genrekonventionen ergründen. Außerdem wird diese Verzahnung auf Merkmale des postmodernen Films untersucht.
Anhand dieser wissenschaftlichen Arbeit soll ein möglicher Wandel der Filmdramaturgie bestätigt und nachvollziehbar gemacht werden. Den Gegenstand dieser Untersuchung stellt dabei der populäre Film dar. Liegt dem Erfolg populärer Filme ein gemeinsames, strukturelles Schema zur Gestaltung des Handlungsaufbaus zugrunde? Und wenn ja, entwickelt sich dieses Schema im Zeitalter der Massenproduktion von Filmen weiter? Diese Fragen sollen anhand der Analyse von drei kommerziell erfolgreichen Filmen des Jahres 2016 beantwortet werden. Der besondere Fokus liegt dabei auf der verwendeten Erzählstruktur. Etwaige festzustellende Abweichungen werden abschließend als Anhaltspunkte für einen fortschreitenden Wandel der Dramaturgie präsentiert. Die Arbeit setzt sich theoretisch-analytisch mit der Beantwortung ihrer wissenschaftlichen Frage auseinander und erfolgt über empirische Datenerhebung auf qualitativer Ebene. Auf eine quantitative Datenerhebung ist im Prozess der Untersuchung vollständig verzichtet worden